LIMINAIRE DE L’1DEX
L’1Dex Mag numéro 2 avait été l’un des premiers magazines à éclairer le parcours de Sève Favre. L’artiste d’Isérables a fin son chemin. La voici illuminée en anglais.
Marie Bagi, docteure en histoire de l’art contemporain et philosophie, est passionnée des artistes femmes et de leur travail – surtout Camille Claudel et Louise Bourgeois. Elle a travaillé et continue à travailler à leur reconnaissance artistique pour qu’un jour elles puissent avoir leur place si méritée dans le monde de l’art. Elle se lance d’ailleurs cette année en tant que curatrice indépendante en créant son propre espace.
La notion de l’intime a été centrale dans ses recherches doctorales qui ont duré 3 ans. Aujourd’hui elle met son énergie et son temps dans la création d’un espace dédié à l’art mais surtout consacré aux femmes et à leurs oeuvres. Elle gère la page Facebook « Artistes femmes : pour une reconnaissance artistique dans le monde de l’art » où l’article est publié. »
Le 5 avril dernier, l’artiste Sève Favre m’a ouvert les portes de son atelier. Elle me confie alors qu’elle a connu une carrière variée et qu’elle a commencé finalement à exposer au public en 2017. Ceci malgré le fait que ses tableaux, si caractéristiques, composés de boîtes mobiles, sont basés sur un concept pensé et réalisé déjà depuis 2005. En effet, Sève me montre le premier tableau « intervariactif » en me disant que c’est d’après cette œuvre initiale qu’elle puise encore parfois des idées pour sa future production.
Voilà la saisissante particularité de son art ; ces boîtes que nous pouvons ouvrir, fermer, placer ou déplacer à notre guise dans ses œuvres sont les instruments d’un contact direct que l’artiste instaure avec son public. Les mains deviennent outil de réalisation de l’œuvre et non armes – car bien souvent nous pouvons également les voir comme telles. Elle me dit que certaines personnes ont du mal à oser toucher à cause de l’aspect fragile que renvoient ces boîtes, ce qui paradoxalement en fait donc leur force. C’est indéniablement une belle manière de faire participer activement son public à la réalisation d’une œuvre voulue comme un continuum créatif.
C’est tout particulièrement le cas de sa dernière œuvre « WWW. » que vous pouvez découvrir sur sa page Instagram « @sevefavre » où une mère et sa fille interagissent avec ce diptyque composé de boîtes en papier (dont la couleur nous fait penser à du métal) connectées par des fils rouges telle une toile que nous tissons et qui se trouve reliée au « web » ou toile en français ; l’installation et la performance ne font alors qu’un. La première fois que j’ai découvert cette œuvre, il m’est venu en mèmoire la toile de Frida Kahlo intitulée « Les deux Fridas ». En effet, la veine rouge qui relie la Frida du passé à celle du présent nous rappelle ce fil rouge, protagoniste de l’œuvre de Sève. Ce fil rouge devient le lien que nous avons avec les différentes étapes de notre vie, aux diverses identités que nous avons endossées parfois, avatars de nous-mêmes. L’artiste ajoute que cette œuvre, comme d’ailleurs l’ensemble de sa production, joue sur le dépassement des frontières classiques de la toile en tant que support. Mais aussi empêche le cloisonnement des différents types d’art ce qui ouvre de nouvelles perspectives d’interprétation. Dans son projet #intervariactifserials, elle met en scène les différentes possibilités de perception que ce diptyque apporte au spectateur afin de questionner ainsi nos définitions typologiques. De plus, par la voie du réseau social qu’est Instagram, Sève a choisi un langage mixte pour accompagner pas à pas son processus artistique. En effet, elle joue avec les langues françaises et anglaises, cette dernière principalement pour le vocabulaire informatique. Finalement, ce roman-photo Instagram devient une performance digitale. D’ailleurs, l’artiste a défini dès le départ les conditions de réalisation de celle-ci comme l’horaire des publications, la durée de la performance, le « digital labor » journalier à effectuer ou encore la documentation du suivi de performance… En outre, elle tague un lieu virtuel afin de géolocaliser chaque publication en une place d’exposition virtuellement choisie en fonction de caractéristiques précises. Cela fait sans aucun doute le lien avec les études de géographie réalisées quelques années auparavant par l’artiste.
Au fil de l’entretien, un élément essentiel nous interpelle. En parlant de l’art en général mais surtout lorsque nous évoquons l’être artiste, la citation de Simone de Beauvoir nous vient en mémoire « On ne naît pas femme : on le devient ». En y réfléchissant bien, pour une artiste, c’est l’inverse. L’artiste ne le devient pas, elle l’est. Ce besoin viscéral de créer fait d’elle la personne qu’elle est ou sera par la suite. Louise Bourgeois nous l’a, à maintes reprises, répété. Plus je m’entretiens avec les artistes, plus je me rends compte que cette perception de l’art est importante à faire valoir. Et vous, que pensez-vous du fait de « naître artiste » ?
Lorsque nous regardons ou touchons l’une de ces boîtes, nous nous apercevons du détail de la réalisation. Ce détail, me dit l’artiste, est souvent vu par le public comme une valeur ajoutée ; car elles sont toutes réalisées par Sève. Qu’en est-il alors si nous perdons une partie de la boîte ? Que devient l’objet initial ? Perd-t-il de sa valeur ou au contraire en en prend-t-il en s’enrichissant de son histoire ? Le nombre de questions suscitées est multiple…
L’artiste a choisi jusqu’à présent de ne pas publier sa photographie sur ses réseaux sociaux, de plus sa signature se trouve à l’arrière de ses œuvres et c’est la seule contribution à faire valoir son identité. Pourquoi l’arrière de ses toiles ? Car l’avant est voulu un espace de partage. Elle maintient ainsi une forme d’anonymat qui assure la primauté au tableau, « I’m not in but I’m part of it » comme le Street Art, en quelque sorte.
Travailler avec le toucher rentre assurément dans la catégorie de l’intime. D’une part, il y a l’intime du processus de création de l’artiste – elle donne de soi dans son œuvre – et d’autre part, l’intime lié à l’appropriation par le public qui intervient directement sur les œuvres de l’artiste.
Sève Favre aborde alors la question de l’art de manière dynamique dans laquelle se pose les différentes relations à l’intime entre artiste, œuvre et public. La sociologie de l’art prend tout son sens dans ses œuvres qui font naître la rencontre.
Marie Bagi
Article publié le 9 mai 2019, sur la page Facebook
« Artistes Femmes : pour une reconnaissance dans le monde de l’art. »
Author: Marie Bagi, Dr. Phil. History of Art
On April 5th, the artist Sève Favre opened the doors of her studio to me. She tells me that she has had a varied career and finally started exhibiting to the public in 2017. This is despite the fact that her characteristic paintings, composed of moving boxes, are based on a concept that has been thought out and implemented since 2005. Indeed, Sève shows me the first « intervariactiv » painting by telling me that it is from this initial work that she sometimes still draws ideas for her future production.
This is the striking feature of her art ; these boxes that we can open, close, place or move as we please in her works are the instruments of a direct contact that the artist establishes with her public. Hands become a tool for the realization of the work and not weapons – because very often we can also see them as such. She tells me that some people have difficulty daring to touch because of the fragile aspect of these boxes, which paradoxically makes them their strength. It is undeniably a great way to actively involve your audience in the creation of a work intended as a creative continuum.
This is particularly true of her latest work « WWW. » that you can discover on her Instagram page » @sevefavre » where a mother and her daughter interact with this diptych composed of paper boxes (whose color reminds us of metal) connected by red threads such as a canvas (« toile » in french) that we weave and which is connected to the « web » or canvas (for both same word « toile » used in French) ; installation and performance then become one. The first time I discovered this work, Frida Kahlo’s painting entitled « The Two Fridays » came to mind. Indeed, the red vein that connects the Frida of the past to that of the present reminds us of this red thread, the protagonist of Sève’s work. This common thread becomes the link we have with the different stages of our lives, with the various identities we have sometimes assumed, avatars of ourselves. The artist adds that this work, like all her work, plays on the overcoming of the classical boundaries of the canvas as a medium. But also prevents the compartmentalization of different types of art, which opens up new perspectives for interpretation. In her project #intervariactifserials, she stages the different possibilities of perception that this diptych brings to the viewer in order to question our typological definitions. Moreover, through the social network that is Instagram, Sève has chosen a mixed language to accompany her artistic process step by step. Indeed, she plays with the French and English languages, the latter mainly for computer vocabulary. Finally, this photo novel Instagram becomes a digital performance. Moreover, from the outset, the artist defined the conditions for its production, such as the publication schedule, the duration of the performance, the daily « digital labor » to be carried out or the documentation of the performance monitoring… In addition, she creates a virtual space in order to geolocate each publication in an exhibition space virtually chosen according to precise characteristics. This is undoubtedly the link with the geography studies carried out a few years earlier by the artist.
During the interview, an essential element challenges us. When we talk about art in general, but especially when we talk about being an artist, Simone de Beauvoir’s quote comes to mind: « One is not born a woman: one becomes one. When you think about it, for an artist, it’s the other way around. The artist does not become one, she is one. This visceral need to create makes her the person she is or will be. Louise Bourgeois has repeated this many times. The more I talk to artists, the more I realize that this perception of art is important to promote. And what do you think of being an « artist born »?
When we look at or touch one of these boxes, we notice the detail of the realization. This detail, the artist tells me, is often seen by the public as an added value; because they are all made by Sève. What if we lose part of the box? What happens to the initial object? Is it losing value or is it taking value by enriching itself with its history? The number of questions raised is multiple….
The artist has so far chosen not to publish her photograph on h social networks, moreover her signature is on the back of his works and it is the only contribution to promote her identity. Why the back of his paintings? Because the front is intended as a space for sharing. In this way, it maintains a form of anonymity that ensures the primacy of the painting, « I’m not in but I’m part of it » as in Street Art, in a way.
Working with touch certainly falls into the category of intimacy. On the one hand, there is the intimacy of the artist’s creative process – it gives of itself in his work – and on the other hand, the intimacy linked to the appropriation by the public that intervenes directly on the artist’s works.
Sève Favre then approaches the question of art in a dynamic way in which the different intimate relationships between artist, work and public are raised. The sociology of art takes on its full meaning in its works that give rise to the encounter.
Marie Bagi
About the Autor :
Marie Bagi, a doctor in contemporary art history and philosophy, is passionate about women artists and their work – especially Camille Claudel and Louise Bourgeois. She has worked and continues to work on their artistic recognition so that one day they can have their well-deserved place in the art world. This year, she is launching herself as an independent curator by creating her own space. The notion of intimacy was central to his doctoral research, which lasted 3 years. Today she devotes her energy and time to the creation of a space dedicated to art but especially to women and their works. She manages the Facebook page « Femmes Artistes : pour une reconnaissance dans le monde de l’art » where the article is published on May 9, 2009.
